Reportaje

Famosos contra Pokemon Go

"Las estrellas de la música se quejan de los fans que prestan mas atención a sus móviles que a la música."

La nueva aplicación diseñada por Nintendo "Pokemon Go" con sus más de 100 millones de descargas es un fenómeno mundial que ha arrasado en todos los teléfonos móviles. Es tanta la multitud que se la ha descargado que se hace raro no ver a gente por la calle cazando a los "Pokemons".

Pero no todo el mundo esta tan contento con esta aplicación. La semana pasada se publico un vídeo en el que se mostraba a una joven jugando a esta app en el concierto de Beyonce de su gira mundial.Dicha joven había comprado una entrada valorada en 400 dolares ya que se le situaba en un sitio privilegiado a lado de la cantante. Beyonce reacciono poniendo unos tweets en contra de este comportamiento. 

Tras este hecho, famosos como Justin Bieber  Demi Lovato se han mostrado apoyando a la marca de Nintendo, enseñando en sus redes sociales como juegan y como se divierten con esta aplicación.

La cantante inglesa Adele también se ha sumado al movimiento cuando en uno de sus conciertos le llamo la atención a un fan por prestar más atención al móvil que a su presencia.

El problema de todo esto es que la gente se gasta mucho dinero en las entradas para los conciertos de sus ídolos y luego, cuando se encuentran en las zonas no hacen masque mirar al móvil. Así como , al salir por la calle se pueden observar a la mayoría de los jóvenes utilizando esta aplicación, muchos famosos también la utilizan. El otro día salio en las noticias que un grupo de chicas jóvenes no se dieron cuenta que Justin Bieber se encontraba a dos pasos de ellas jugando al mismo juego. 

La batalla no ha hecho mas que empezar a pesar de que la aplicacion a dado un bajon en descargas esta ultima semana.

                                                                                                            Leire Zabalza 

Editorial

Discos a precios de lujo 

  Hoy en día es habitual encontrarse discos a precios desmesurados, muchos de ellos, cuestan más de 20 euros. Todo esto además, cuando este tipo de artistas cobran las entradas de sus conciertos a más de 50 euros.

  Sin embargo este método es muy polémico. Algunos lo critican, pero viendo los precios de los discos, las descargas ilegales son mucho más cómodas ya que se descarga desde casa y no cuesta nada. Otro método, ya no tan conocido, es comprar discos en el top manta donde pueden encontrar discos pirateados, por ejemplo en las calles de Pamplona en San Fermines. También, para aquellos fans que no pueden permitirse el lujo de pagar la entrada más el viaje (porque la mayoría son en Madrid y Barcelona) pueden ver los conciertos a través de YouTube.

  Si que es cierto, que la calidad de los discos no suele ser la misma que las descargas ilegales, existen archivos falsos con virus o también archivos con el sonido dañado. La experiencia de vivir un concierto en directo es diferente que verlo por Internet. En los conciertos a parte de conocer o de ver en vivo a tus ídolos, se conoce gente nueva que comparte los mismos gustos musicales.

   Existen también otras plataformas para conseguir música legalmente. Por ejemplo, Itunes o Spotify, que te permiten escuchar la música que quieres pagando una determinada cantidad de dinero algo menor que la del disco en físico. Pero la cuestión es que este tipo de artistas además de vender sus productos a tan elevados precios, mueven millones de euros gracias al marketing.

   No todo es culpa de los artistas. En nuestro país el IVA cultural es de un 21% y esto hace que el precio se eleve tanto. Este porcentaje seria adecuado si en España el salario mínimo fuera más elevado. 

   Por todo esto, la gente no puede permitirse comprar los discos que desee y recurren a la descarga ilegal.

                                                                                              LEIRE ZABALZA  BATX H

¿POR QUÉ CAMBIAR LO QUE YA ES BUENO?

Con el tiempo el estilo musical del país ha ido decayendo de manera deteriorada.

De nuevo. De nuevo vuelve la misma polémica. La polémica de la música. Con el paso del tiempo la música ha ido evolucionando de manera radical. Pero, ¿realmente podemos definirlo como evolución? ¿O sería más una conversión? Este tema ha creado muchas y diversas controversias tanto entre la gente joven como en los de más longeva edad. Hoy en día es un tema que está vigente en nuestra sociedad, la cual tiene como hábito envolverse en la música para de este modo evadirse de la situación que vive el país.

La música esta definida como el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo. Según esta definición diremos que la música de antes a diferencia de la de hoy, sí que era música, ya que todas sus canciones contienen la combinación coherente de sonidos utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.

Todas las letras de cada melodía de antes estaban hechas de sentimientos y mayoritariamente el cantante tenía como fin transmitir sus pensamientos sobre algún tema, ya fuera la política, el amor o la sociedad. Las letras de las canciones de hoy, en cambio, sólo dicen groserías y con ello, denigran mucho a la mujer sea o no ésta la intención. No transmiten ningún tipo de mensaje y lo único que consiguen es poner a la mujer por debajo del hombre tornando años atrás.

No son nada comparables los cantantes de hace años con los de hoy en día. Los cantantes de antes llegaron a conseguir tal éxito por su constante trabajo. A día de hoy son pocos los cantantes que han llegado a tener éxito por su talento. La mayoría de los cantantes no tienen ningún estudio musical, y al no saber cantar, deciden editar su voz con efectos del ordenador, poniéndole un ritmo pegadizo de fondo, y en conciertos optan por el “playback”. Pero aún así seguiremos yendo a sus conciertos y comprando sus discos, ¿verdad? Creemos que esta no es una buena manera de darle salida a este problema, valoramos mucho a quien no se lo merece, mientras gente con un gran talento está muy poco valorada.

En definitiva, pensamos que este cambio no ha sido nada bueno, ya que la música de antes era bastante mejor que la “música” que escucha la inmensa mayoría hoy en día.

                                                                                           Jessica Errea

La música que ha revolucionado el mundo

"El reggaeton se ha convertido en el nuevo estilo de música que se escucha por todas partes"




Últimamente, ¿en qué fiesta no ponen una canción de reggaeton? ¿Qué pensáis vosotros de este estilo de música que cada vez se escucha más? En estos últimos años, los cantantes más conocidos en tipo son Nicky Jam, con su canción "Travesuras" o por ejemplo J.Balvin con su canción "Si necesitas reggaeton dale", por no mencionar todas las canciones del verano que se han hecho famosas con este tipo de música.




El reggaeton es un estilo de música que apareció a principios del siglo XX y este mismo ha ido evolucionando a lo largo de todo este tiempo. Han sido muchísimos los cambios que ha recibido este genero de música, pero en nuestra opinión todo a ido a peor. Por eso, a continuación, os mostraremos los argumentos de porque estamos en contra de este tipo de música.

La intención de este estilo de música, lleva mensajes ocultos, así como sexo, alcohol, drogas...Las letras de este estilo de música son vergonzosas, para ser más sinceros, diremos que son muy machistas. Las letras de las canciones, tienen algo que hacen que se aprendan muy fácil, y es por eso que la gente las canta constantemente. Una de las canciones más pegadizas, la cual fue la canción del verano 2015 es "La Gozadera." Por otro lado, los videoclips de este tipo de música, son igual que machistas que las letras. En estos, las mujeres apareces casi desnudas, en cambio, los hombres suelen aparecen con ropa excepto algunas veces que suelen aparecer sin camiseta. Cierto es, que para salir de fiesta este estilo no es inadecuado, pero para escucharlo diariamente es inadecuado observando el tipo de letra que lleva.


En conclusión, no decimos que no pueda gustarte el reggaeton, pero si que te proponemos que si te gusta el reggaeton, pruebes a escuchar otro tipo de música.



                                                                                                           Leire Zabalza 1 BATX H

La Pegatina

La Pegatina

La pegatina, es un grupo actual, interpretan canciones con el estilo como el ska y rumba catalana. Este grupo se formo en Cataluña, para ser mas precisa en 2003.Este grupo de música, esta formado por 7 personas. La mayoría en este grupo por no decir todos, tocan instrumentos a parte de cantar.


 
Todo comenzó cuando uno de los componentes, Rubén, empezó un proyecto que se llamaba Pegatina Sound System, este primer proyecto estaba compuesto por Rubén, Adria y Ovidi, estos mismos todavía siguen formado parte del grupo. Al principio, este proyecto no tuvo buen comienzo, ya que ninguna compañía discográfica se intereso. Ante el fracaso de este primer proyecto, los tres chicos empezaron a mostrar su música gratuitamente por Internet. Gracias a la idea que tuvieron, consiguieron que mucha gente se descargara sus canciones y de hay lograron alcanzar una gran fama por toda España. A lo largo del tiempo, se fueron incorporando nuevos miembros al grupo, en 2007, entraron Ferran, Romain y Axel. A partir de un tiempo, no solo eran famosos por Internet, sino que la radio empezó a interesarse por ellos. Después de ser famosos por Internet, lograron publicar un CD (Al caer). Gracias a ese disco, el grupo en 2010 se fue de gira por todo Europa, e se hizo notar en los países Bajos y Austria entre muchos tantos. En 2011 lograron tocar en el festival de Parkpop.

En este vídeo que aparece aquí podréis ver una de las canciones que salen en el primer disco de este grupo.

Son muchos los instrumentos que se tocan este grupo, como por ejemplo, la guitarra, el cajón flamenco, el contrabajo, la trompeta, la acordeón y por ultimo la batería. A partir de los años La Pegatina ha ido sacando discos y a través de los discos han ido haciendo giras por todo el mundo. La compañía con las que han ido sacando los discos han sido Kashba music o la Warner Music.

Centrandonos mas en las giras de los años anteriores, son 12 las que han hecho contando las de este año. La del año pasado, por ejemplo, se llamo Revulsiu Tour 2015. Esta gira fue por todo el mundo, el 13 de octubre fueron a la sala tótem, una famosa discoteca a donde acuden muchos jóvenes, esta misma situada en Pamplona. A este concierto que hicieron acudieron 115 personas. Las entradas de su conciertos cuestan alrededor de 20-25 euros, aunque algunos de los conciertos de sus giras son gratuitos. Este año han sacado gira nueva, la cual se llama, La Gran Pegatina Tour 2016. Esta gira también sera por todo el mundo. Lo que pasa, es que como esta recién sacada no se sabe todavía ni fechas ni todos los lugares a los que van a acudir, es algo que con el tiempo lo irán introduciendo.

En este enlace que os dejo aquí podréis ver a los lugares que han acudido, y informaros sobre todas las giras que han hecho.
                             Mas información acerca de giras.

Estos últimos años, el Internet a tenido mucho que ver en nuestras vidas, por eso este grupo tiene varias cuentas como instagram, twitter entre muchos tantos. En los enlaces qeu os voy a poner a continuación os mandaran directo a sus cuentas:

-Instagram:https://www.instagram.com/lapegatina/
-Twitter:https://twitter.com/lapegatina?lang=es
-Canal de youtube: https://www.youtube.com/user/lapegatinaTV
-Facebook:https://www.facebook.com/lapegatina/


En este vídeo de aquí, se puede escuchar una de las canciones mas escuchadas de este grupo.

                                     


                                                                                                  LEIRE ZABALZA 1 BATX H

La Orquesta Sinfónica de Navarra

“El nombre que se le ha dado a esta temporada “Invitados a descubrir” define una apuesta por descubrir en profundidad a grandes compositores y a instrumentos no muy conocidos como la tuba o el clarinete”

La Orquesta Sinfónica de Navarra fue fundada por Pablo Sarasate en el año 1879, la que actualmente es el conjunto orquestal más antiguo de España.

Desde su creación, la Orquesta ha experimentado una profunda transformación, siempre teniendo como objetivo principal la excelencia en la calidad artística, de tal manera que la Orquesta a día de hoy abarca un amplio repertorio. Habitualmente colabora con diversos solistas y directores mundialmente conocidos, y es considerada una de las mejores orquestas a nivel español, frecuentemente invitada a salas de conciertos y festivales de máxima categoría nacional e internacional. En la actualidad tiene como director titular a Antoni Wit y como director asociado a Cristóbal Soler.

En las últimas temporadas, la Orquesta ha sido invitada tres veces al prestigioso Theatre des Champs-Elysées de París junto a solistas de alto prestigio, así como son Daniella Barcelona, Juan Diego Flórez y Roberto Alagna. Anteriormente la Orquesta ya había sido invitada a este mismo teatro, precisamente en los años 2009-2011 para tres producciones líricas y dos conciertos sinfónicos dirigidos por su titular, Ernest Martínez Izquierdo. La Orquesta en su papel de embajadora cultural de Navarra realizó una gira de 7 conciertos por 5 de las más importantes ciudades de China.

Hoy en día, la Orquesta mantiene un ciclo de temporada con más de 2.000 abonados a Pamplona. Es la orquesta titular en los concursos de canto del Gayarre y Sarasate de violín, a su vez es también colaboradora habitual en temporadas de ópera y representaciones líricas en Pamplona, resto de España y el extranjero.

La programación de su última temporada contará con 14 programas que se interpretarán en 28 conciertos en el Auditorio Baluarte de Pamplona. La misma comenzó el día 17 de septiembre de 2015, y ésta dará a su fin el 10 de junio de 2016. Según afirmó el director de la Orquesta Antoni Wit, “el nombre que se le ha dado a esta temporada “Invitados a descubrir” define una apuesta por descubrir en profundidad a grandes compositores y a instrumentos no muy conocidos como la tuba o el clarinete”. El mismo, Antoni Wit, es el director de la Orquesta en esta última temporada que está realizando. Anteriormente ya había sido director en otras tantas orquestas, así como la Filarmónica de Pomerania y las orquestas de la radio de Cracovia y Katowice entre otras. En el año 2007 La Orquesta Sinfónica de Navarra dio un concierto en la sala de conciertos de la orquesta que dirigía Wit en aquel entonces, y al verla le pareció una orquesta muy buena. Por esto decidió ponerla a su nombre para dirigirla, y en 2008 dio su primer concierto como director de La Orquesta Sinfónica de Navarra. El concierto fue de gran éxito y tras varios conciertos Wit fue nombrado director titular. A día de hoy, Wit declara que “la Orquesta ha tenido que mejorar la musicalidad, el sonido y el conjunto, ya que el Auditorio de Baluarte es un auditorio de un gran nivel y debemos estar a su altura”.

Durante esta última temporada, aparte de Antonio Wit, también han sido entrevistados otros tantos directores. Entre ellos encontramos al director asociado Cristóbal Soler el cual destaca por su amplia trayectoria como director de musical. Éste proporcionó una entrevista al finalizar el quinto concierto de la temporada, en la cual declaró que el concierto obtuvo un gran éxito. En esta misma entrevista señaló también que “son muchos años de relación con la Orquesta y eso nos ha permitido realizar un trabajo rápido de entendimiento porque yo ya se lo que debo extraer de ellos, conozco su profesionalidad y ellos conocen mi forma de dirigir. El resultado fue muy bueno”.

En resumen diremos que la Orquesta tras su largo recorrido ha experimentado muchos cambios, pero sin ninguna duda podemos decir que hoy en día se encuentra en unos de sus mejores momentos, tanto por musicalidad como por su conjunto. Esto se debe a la gran aportación de Antonio Wit, ya que es el director más experimentado que ha pasado por la Orquesta.

Para terminar aquí tenemos un vídeo de muestra de lo que sería una obra de un concierto de la Orquesta Sinfónica de Navarra, la cual tuvo lugar el 18 de Junio de 2012 en el auditorio Baluarte.

                                                                    Jessica Errea 1ºBachiller H

Clasicismo

Música del clasicismo y sus autores

    El clasicismo comenzó en el año 1770 y termino en 1815. Esta forma musical lo que quería expresar era la perfección de la realidad. Para eso, se enseñaban las formas de as cosas, eso si, a lo que menos importancia se le daba era la ideología.

    Las características que posee esta forma musical son la felicidad y la belleza. Gracias a esto el conocido Mozart es tan conocido, entre otros muchos. Son 5 las características que conocemos:

-El ritmo busca una simetria.

-El ritmo se organiza en 8, 6 o 3 compases.

-El idioma es tonal y entre eso tonos hay una jerarquía: tienen mayor importancia el primero tonico, el quinto que seria el dominante y por ultimo el cuarto que seria el subdominante.

-Se utiliza la armónica para que se escuchen mas las tonalidades.

-Se suele utilizar el bajo como ayuda.

En el clasicismo tuvieron que abrir una orquesta para poder interpretar la sinfonía. Se siguieron utilizando la mayoría de los instrumentos que se tocaban hasta esos años como por ejemplo, diez primeros violines, diez segundos violines ocho violas,seis violonchelos y por ultimo cuatro contrabajos. Los directores de las orquestas son para nombrar, ya que no tocaban ningún instrumento pero si que se podían delante de la orquesta para guiar al grupo. 

En la imagen que esta a la izquierda podréis ver como se colocaban los músicos en la orquesta.

En estos años aparecieron dos instrumentos nuevos como por ejemplo la trampa y el clarinete. Otro instrumento que apareció que tuvo mucha importancia en el clasicismo fue el piano. En un principio se llamaba <gravicemvalo col piano e forte> pero con el tiempo se decidió llamarle piano porque era mas corto.

 
      El clasicismo se basaba en las formas y las normas de un respeto total. Tenia dos formas instrumentales principales:

-Sonata: Se creo en el barroco pero tuvo algunos cambios en en el clasicismo. Tenia tres o cuatro formas diferentes. La sonata seguía este esquema:

La primera parte del esquema seria el esquema entero de la sonata, después se le sumaria la segunda, tercera y cuarta parte del esquema para explicar los movimientos de la sonata. En el esquema de la sonata se puede ver esta tiene tres fases diferentes: Primero la exposición A, en segundo lugar el desarrollo y por ultimo la repetición de la primera.

 El esquema de la sonata se utilizo en muchas otras formas. Y esas formas se llamaban a raíz de cuantos instrumentos tocarían.



-Sinfonía:  La sinfonía es una sonata enrome para la orquesta. en el siglo XVIII, se empezaron a utilizar cuatro pases para formar la sinfonía, y se fijaron en el esquema de los movimientos de la sonata.


     En el clasicismo, Hydn y Mozart fueron los músicos mas conocidos, pero tenemos también a Bethoven que este escribió en el clasicismo y en el romanticismo.
Joseph Hydn nació en 1932 y murió en 1809 y fue el padre de la sinfonía. Nació en Rohrun y gracias a las obras que compuso en el clasicismo logro ser conocido en muchos sitios. Las obras de Haydn tienen un rosto aristocrático. Creó la conocida obra llama "el cuarteto de cuerdas". Escribió otro tipo de trabajos como por ejemplo "Las siete palabras". En total Hyadn formó 104 sinfonías.
El segundo autor conocido, es Wolfgang Amadeus Mozart nació en 1756 y murió en 1971 y este fue el genio de la música. Es el mayor de los genios que se ha creado gracias a la música. Nació en Salzburgo y fue un niño de muy bueno; a los cuatro años sabia tocar el piano y con seis o siente años ya había escrito algunas obras. Tuvo una vida corta y cuando se murió se confirmo que había escrito mas de 600 obras a lo largo de su vida. Dentro de todas esas obras se conocen obras para instrumentos y operas. Las mejores operas de este han sido las que aporto en Italia, Francia y Alemania.
    Por ultimo encontramos el conocido Bethoven,       este nació en 1770 y murió en 1827. De pequeño     tuvo problemas de oído, y este le trajo graves           problemas en la música. Bethoven empezó               trabajar con música en el clasicismo, cuadno           Mozart y Haydn ya eran conocidos. Bethoven         llevo la musica al romanticismo. Las obras de         Bethoven tuvo mucha importancia en la música.       La música fue el idioma mas frecuente en el             romanticismo. No solo tuvo importancia en los         músicos si no que también tuvo importancia en       los pintores y los escritores. Bethoven llevo la         sinfonía  a una clase mas alta y las intenciones de      Bethoven  no eran seguir las normas si no que

 lo que el hacia eera hablar sobre sus sentimientos. Cuando murió,

tenia una fama muy grande y mucha gente acudido a su entierro. En este vídeo que aparece aquí se puede escuchar la quinta sinfonía escrita por Bethoven.

   En el Clasicismo en España, Juan Crisostomo Arriaga es conocido. Nació en Bilbao en 1806 y murió en 1826. Juan fue un niño muy bueno en torno a la música como Mozart, a los 12 años escribió una obertura y a los 14 años escribió una opera llamada "Esclavos felices". Las obras de Arriaga tienen las mismas características que utilizaron Mozart y Haydn en sus obras.

     En este ultimo vídeo que veis podréis ver la              música del clasicismo resumida en 3 minutos.


                                                                     

 

                          Leire Zabalza 1 Batx H

Amy Winehouse

Amy Winehouse nació en una familia judía el 14 de septiembre de 1983. La familia estaba  formada por su padre llamado Mitchell, su madre Janis y su hermano mayor. Amy, tenía la voz en un contralto. Tenía una voz emotiva, con su voz era capaz de expresar las emociones que tenían sus canciones. Amy a lo largo de su vida aprendió a tocar la guitarra, el piano y la batería. A los 13 años, fue cuando le regalaron su primera guitarra y a los 14 empezó a componer sus propias canciones. Su carrera profesional, empezó cuando su novio (en esos momentos) entregó una maqueta suya a un productor. Para ser más precisa, diría que la carrera profesional de Amy comenzó a los 16 años.

Su primer álbum fue "Frank", que estaba formado con canciones de jazz, menos dos canciones que eran dos covers. El disco, salió a la venta el 20 de octubre de 2003. Con este mismo disco consiguió el disco de platino en Reino Unido. La mejor canción de este disco es la conocida  "Stronger than me". Este álbum se colocó en el puesto 10  en el Reino Unido  por vender más de dos millones de copias en 2008.

"Back to black"  es el segundo disco que sacó Amy en 2006. Con la venta de este álbum consiguió el platino en Estados Unidos y junto a eso consiguió el número uno en el Reino Unido. Gracias a este álbum, Amy ganó un Brit awar. Este disco fue uno de los más vendidos en el mundo.

Su última grabación la hizo con Tony Bennet, que era una cantante estadounidense y ese disco fue sacado en 2011. Amy recibió muchos premios durante su carrera profesional pero en 2008, consiguió llevarse cinco premios gracias a sus canciones Rehab y Back to Black en una misma noche. Las canciones por las que solía estar nominada eran: Stronger than me, Black to Black, Rehab, Love is a Losing Game y por último el dueto que grabó Body & Soul. De todas las veces que estuvo nominada en toda su carrera profesional logro 15 premios.




Finalmente, Amy murió el 23 de julio de 2011 con 27 años. La encontraron muerta en su apartamento de Camden. En un principio no se sabía cuál era la razón de su muerte, pero se dio a entender que todo fue por el alcohol que se encontraba dentro de su cuerpo, ya que encontraron 3 botellas de vodka vacías en su casa. Tras mucho esperar las pruebas, todo salió que su muerte fue por todo lo que había bebido, eso si, Las pruebas dieron negativo en sustancias ilegales.






Después de su muerte, Back to Black, fue otra vez uno de los más vendidos y este mismo entró en las listas del Reino Unido. Un año después de su muerte, Amy Winehouse fue añadida a la lista de las 100 mujeres más conocidas de la música.

                                                                                                                 

                                                                                                                              Leire Zabalza 1.H 

EL VIOLÍN

El violín es un instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas afinadas por intervalos de quintas.

¿Cual es el origen del violín?

No es posible establecer con exactitud de que instrumento proviene el violín. Los primeros instrumentos de cuerda y arco debieron de entrar en Europa por el Sur, con la invasión àrabeafricana a España, y por el Norte, con las hordas barbaras de Atila. Los primitivos instrumentos que consideramos los mas lejanos antecesores del violín son el nefer egipcio, el ravanastrom indio y la lira griega. El origen común del violín debe ser buscado en Asia.

Evolución del violín

El violín ha experimentado desde su aparición hasta nuestros días en unas cuantas transformaciones  para adaptarse a la música que se escribía, al publico al que iba dirigida y el lugar donde se interpretaba. Las medidas del violín han ido cambiando con los años. Estas son algunas de las medidas del violín en los siglos XVI, XVII, XVIII:

-Largo total de la caja:355-357 mm.
-Largo del mango: 125 mm.
-Angulo del mango con la caja de resonancia:0-2º
-Altura del puente: 27-28 mm.

A partir de aproximadamente 1830, estas medidas quedaron así:

-Largo total de la caja: 355-357 mm.
-Largo del mango: 132 mm.
-Angulo del mango con la caja de resonancia: 5-7º
-Altura del puente: 32-34 mm.

Sobre 1830 se produjo un cambio sustancial e importante que consistió en alargar y modificar el angulo de inclinación del mástil en relación a la caja. Como consecuencia de ello, se incremento la tensión de las cuerdas, la elevación del puente sobre la tapa y la sonoridad del instrumento.

En sus orígenes, el violín se sujetaba sobre el pecho hacia el lado izquierdo del cuerdo, no hacia falta mas para interpretar unas cuantas notas para marcar el ritmo de la danza. Posteriormente, cuando la música se complica, encontramos un consejo de Geminiani que invita al violinista a hacer reposar el violín sobre la clavícula. Mas tarde se usa el mentón sobre el lado derecho de la caja. Por ultimo, se sujeto sobre el lado izquierdo de la tapa, con lo cual, este brazo del instrumentista quedaba mas libre para poder tocas con mas comodidad en los registros mas agudos del instrumento. Años después  se creo la montonera por L.Spohr que facilito la sujeción y permitió a la tapa vibrar con mas libertad.

Debido a la necesidad de establecer al instrumento una brillantez sonora, el material con el que se han fabricado las cuerdas ha evolucionado para reforzarlas. El "la" de los instrumentos contemporáneos de Andrea Amati estaban afinados aproximadamente medio tono más bajo que el actual.

A mediados del siglo XVIII, se empleaban cuerdas de seda y otras realizadas a partir de tendones e intestinos de animales que incluso hoy en día se denominan como de "tripa".

Franz Thomastik construyó en Viena, sobre 1930, una cuerda compuesta por un fino cable de acero cromado, al que se le enrolla, un hilo metálico, tal y como se había hecho anteriormente con las cuerdas de tripa. Esta revolucionaria innovación no anulo  el uso de cuerdas de tripa entorchadas, sino que aumentó las opciones para la elección de cada violinista. Si se deseaba más potencia, se utilizarán cuerdas de acero; si se quiere un sonido mas dulce y suave, se emplearán cuerdas de tripa entorchadas.

Adornos que se incluían en los instrumentos primitivos han ido desechándose con el transcurso con las décadas, al comprobarse que perjudicaban la vibración normal de las tapas.

El mosaico que bordea cada una de las tapas, ha sido el único ornamento que ha perdurado desde la aparición del violín hasta nuestros días. Esto se explica porque realiza una función muy importante, reforzando los bordes e impidiendo que el violín se agriete.

La tastiera se ha alargado poco a poco para permitir al instrumentista tocar en los registros más agudos, a medida que la tesitura del instrumento se ha ido ampliando.

Finalmente con esta foto os mostraremos las partes del violin hoy en dia:

                                                                                                        Jessica Errea y Leire Zabalza

El canto a capela

El canto a capela es una forma de cantar y de crear música con la voz, interpretando los sonidos, ritmos y melodías necesarias para crear una canción sin necesidad de utilizar ningún instrumento.

La palabra "a capela" viene del termino italiano que quiere decir al estilo de la capilla. Hay un instrumento llamado el arpa sagrado, que es un estilo de canto a capela. En la actualidad, el canto a capela continua guardando una buena relación con la música sacra. Antes solo se escuchaba el canto gregoriano o algo parecido.

Para grabar los cantos a capela, se inventaron muchos aparatos pero el mas conocido fue el magnetofono que llego en la década de los años 40. Junto con esto llegaron muchos mas estilos musicales como el Gospel, Blues, Jazz...  A partir de los años 80, varias personas  se hicieron famosas por sus cantos a capela, por ejemplo Bobby McFerrin que interpreto <Don`t worry, be happy> que fue el éxito numero 1 en la listas de Estados Unidos.

Se han formado muchos grupos de a capella, y muchos de ellos a este canto han incorporado la polifonia o el beatbox, que consiste en hacer una caja de ruidos producidos con la boca. Por ejemplo, con el beatbox se pueden imitar instrumentos como la batería o los platillos.

Unos de los grupos de a capela mas conocidos son "Pentatonix" que ganaron un premio al mejor arreglo instrumental en 2015. Pentatonix se creo en 2010  cuando tres de ese mismo grupo decidieron presentarse a un casting de una seria llamada Glee. El nombre de Pentatonix tiene significado con la música, es decir, significa escala musical.

En este vídeo  podréis ver a el grupo de Pentatonix cantando a capela la evolución de la música.

 Para terminar, voy a hablaros sobre una película famosa llamada "Dando la Nota" que como muchos sabréis consiste en un grupo femenino de música a capela llamado "The Barden Bellas", que son las que van a competir contra otro grupo de canto a capela de ese mismo centro educativo y así pasando varias pruebas conseguir ganar los nacionales.

 En este ultimo vídeo encontrareis a The Barden Bellas cantando en uno de los concursos (una parte de la película).

                                                                                               

                                                                                                                      Leire Zabalza 1.H

The beatles

El grupo The Beatles fue formado a raíz de otro, es decir, en la década de los 50 John Lennon, uno de los beatles más conocidos, había formado una banda llamada “The Quarriment” de género musical skiffle, un estilo musical derivado al jazz. La banda estaba completada por compañeros suyos del colegio.

El 6 de Julio de 1957, tras finalizar un recital que dieron, Ivan Vaughan, un miembro del grupo “The Quarriment”, presento a John Lennon y a Paul McCartney, ya que Ivan y McCartney eran grandes amigos. Desde entonces, John Lennon y Paul McCartney se hicieron amigos inseparables, y al ser John el líder del grupo, decidió unir a Paul en el, no sólo por ser su amigo, sino porque tocaba muy bien la guitarra, y además era el único de ellos que sabía afinar bien. Algún tiempo después, conocieron al que seria más adelante un nuevo miembro del grupo, George Harrison, un guitarrista algo mas joven que John y Paul.

De esta manera, John Lennon, Paul McCartney y George Harrison, junto con Peter Best, el batería, y Stuart Sutcliffe, el bajo, formaron una nueva banda. Cambiaron varias veces de nombre. En uno

de sus viajes, conocieron a Astrid Kirtchner, una fotógrafa

que se enamoró de Stuart Sutcliffer, la cual les diseñaba

un nuevo peinado, el que más tarde trataría de imitar la

gente.

Ya con el nombre The Beatles, grabaron un par de singles con Tony Sheridan. Años atrás, el grupo tuvo una pelea callejera en Liverpool, todos lograron escapar, exceptuando a Tony, y John regresó para salvarle la vida. Pero esa pelea dejó una secuela importante y Tony unos años después, tuvo un derrame cerebral y murió. Al ocurrir esto, el grupo entro en una profunda tristeza, y se fueron de Hamburgo para regresar a Liverpool. Tras un tiempo sin tocar, volvieron a hacerlo en un pequeño local “The Cavern”, donde se dieron cuenta de los increíbles progresos que habían hecho en Hamburgo. Brian Epstein, dueño de una casa discográfica, quedó impresionado con su música tras escucharlos en una actuación y inmediatamente les propuso ser su manager. De esta manera, los muchachos aceptaron con intenciones de grabar.

Tuvieron muchos rechazos de varias compañías discográficas, pero al final, Brian les consiguió unas pruebas ParloPhone, una sucursal de EMI. El productor de la EMI, George Martin, tuvo una buena impresión, aunque comunicó al grupo que tendrían que cambiar de batería si querían grabar algo y tener éxito, ya que para el no tenia un buen nivel. Dicho esto, los componentes del grupo  

decidieron echar a Peter y en su lugar se colocó Ringo Starr, que ya había tocado con ellos anteriormente en Hamburgo. De este modo, obtienen el contrato para grabar y realizan “Love Me Do”, este se podría decir que fue el primer paso hacia el éxito, ya que con el lograron situarse en la lista de números uno de Reino Unido. Después de esto, empezaron a hacer nuevas grabaciones con más éxitos, y así el éxito del grupo fue aumentando de tal manera que se creo la “beatlemania”, la adoración de sus incondicionales, principalmente adolescentes, que muestran su fanatismo por la banda de manera desbordada.

Unos años después, Los Beatles asaltan el mercado norteamericano, donde sus temas alcanzan los primeros puestos en la lista de los éxito. Tras su enorme popularidad, Los Beatles ruedan algunas películas. “¡Qué noche la de aquel día!”, en 1964, y “El submarino amarillo”, de 1968.

Mientras tanto siguen aumentando su discografía y el éxito y la popularidad sube de manera imparable. En 1967 apareció uno de sus trabajos más destacados “Sgt.Pepper's lonely hearts club band” un LP que marcó el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico.

 En 1970 publicaron “Let it be”, probablemente uno de sus mejores temas, pero los desacuerdos entre los miembros del grupo causaron la separación del grupo, y de esta manera cada uno siguió su carrera en solitario. En 1980 John Lennon fue asesinado, y esto impidió el reencuentro de la banda.

¿Cual es el verdadero origen del nombre de la banda?

Cuando nos preguntamos sobre el verdadero origen del nombre de la banda “ The Beatles” la mayor parte de la gente le intenta buscar un significado nazi, así como en el siguiente vídeo. Pero se dice que realmente el origen del nombre viene en honor al grupo Los Grillos  , una banda de música de la década de los 70.

Video:

                                                                                                                     Jessica Errea 1.H